ステートメント：

理想に近づくことだけを考える。それだけでは決して自分の理想に近づく
ことは出来ない。
理想に直線で向かおうとすると、必ず何かにぶつかり、前に進めなくなる。
　では、その「何か」とはなんだろう。それは、「人」である。
私達は人がいるから理想に近づきたいと思う。
そして、人がいるから理想に近づくことは難しい。
　理想への道を行き、その過程で欲求を放出したとする。
欲求を放出し続ければ、周囲の人に促され制御する心が働き始める。
制御は、周囲の人や自分自身からも醜いと思われがちである。
しかし、欲求を理想へと近づける過程で、制御は欲求の1番の理解者になるのである。

古着、瓶、ペットボトル、欠けたお皿、野菜、果物…
どれも日常生活の中で身近に存在している何気ないものたちである。
そのようなものに色を付けたり、布を針と糸で縫い付けたりするなどの細工を施し、
手の感触に意識をゆだねて形を決め、意識と無意識の間を行き来しながら、
モチーフを組んでいく。

長い時間をかけてものと対峙しながら描いていくと、様々な変化が起こる。
かぼちゃにカビが生え、徐々にほこりが被り、モチーフを取り巻く空気も変化していく。
その小さな変化を拾いながら、日々ものと向き合い、自己の無意識を静物に
重ね合わせることで、内側から溢れ出るような絵画を探っている。

私の制作は
“シンプルなものの中にこそ、本質的な奥深さがある”
というテーマのもと行ってます。

人に限らず、様々な事物の存在は、そのものを意識して初めて感じられるものだと
捉えています。

インドの数学者が初めて数としての０（ゼロ）という概念を定義しました。
それは０＝無ではありますが、有限の無（認知されていることから存在する）となります。

有限の無と無限の無。

その狭間は、うっすらとそこにあるのかもしれません。
そのような形になる前の無垢な状態、まだ色や先入観の入る余地のない状態のものを
表現しようと試みています。

私の作品は基本的に木版画の手法を採ります。
板を彫り、 そこに出来た凹凸を拾って作品にしていきます。
木版画は我が国伝統の技法、あの浮世絵に使われています。
しかし、ここでは木版画は印刷技術として扱われていましたが、
現代では立派な芸術表現の手段になりました。
そこに強く興味を抱いています。
私の作品は伝統的な木版画の手法とは一線を画しています。
伝統技法は水性絵の具を使いますが、私は油絵の具を使います。
強い発色を得たいのがその理由です。
作品のテーマは「深淵の杜」、枯れた木々や蘭、木蓮（マグノリア）の枝ぶりや
花弁の形を造形し、そこに宿る人々の「心の形」を有機的なフォルムの中で表現
しようとしています。